Buscando...

O impacto psicológico é a mais tênue dentre as reações que o ambicioso exercício estrutural, conferido ao longa “Buscando...”, sob a direção Aneesh Chaganty,  é capaz de provocar em cada um dos seus espectadores.

O cineasta, abraçando a tecnologia a ponto de lhe conferir um status que a eleva ao nível de protagonista, logo no início da película, simula um login da plateia através da sua possível imediata identificação com os personagens – que tomam os mesmos tipos de decisões, que exercem multitarefas, que abrem sucessivas janelas na tela do computador, que navegam através de uma infinidade de sites simultaneamente e efetuam todas as suas pesquisas online.

Em um breve momento, o espectador assume, involuntariamente, o seu papel em meio aos personagens que não vivem sem seu smartphone, seu notebook, seu tablet e cujas vidas encontram-se backupeadas, integralmente, na nuvem. A concepção central, consistente e inteligente, de “Buscando...” segue os movimentos online de um pai em pânico, na busca pela localização de sua filha adolescente desaparecida. Argumento e roteiro injetam emoção genuína no longa e investe pesado na reflexão sobre e existência humana e seu destino.

A identificação com o pai aflito, diante da omissão de réplica às suas mensagens de texto enviadas à sua filha única, intensifica a tensão e o aspecto ameaçador agregados à película, injetando intensa e crescente carga de fobia àquele progenitor, naqueles que se dispõem a se colocar na sua pele.

A visão de Chaganty, que conduz ao inevitável, faz de “Buscando...”  uma dimensão que não concede lugar para esconderijo – uma experiência inovadora e surpreendente, onde a rotina se resume em se logar e se deslogar.

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Os Inocentes de Ipanema

Um breve e voluntário luto

Dentre as inúmeras situações que, de fato, endossam a clássica assertiva suassunesca que proclama que “tudo que é vivo, morre”, o funeral se impõe como um evento social exaustivo, enfadonho e temperado, invariavelmente, por forte carga de dissimulação.

De forma burlesca, o espetáculo “Os Inocentes de Ipanema” transmuta a essência religiosa contida no ritual de despedida dos seres humanos que “partem desta para melhor”, em uma agnóstica assembleia cuja presença se impõe como obrigação, a despeito da vontade e da maneira de encarar a vida e a morte por parte de quem se foi – conforme a máxima de John Green, em sua obra ‘A Culpa é das Estrelas’ que sugere que “os funerais não são para os mortos, mas sim para os vivos”. O expressivo texto e a brilhante direção de Fabrisio Coelho processam a perda de um ente, supostamente, querido, como o apoio terapêutico para a prole – a partir de então, órfã – presenteando o expectador, com a vivência de um momento que encerra o ciclo de um ser.

A história da súbita morte da matriarca Brenda de Cândida – moradora do tradicional bairro de Ipanema – abala toda a estrutura da família que não compartilha de momentos em comum por vinte anos. Dessa forma, o funeral promove para os quatro irmãos, o momento de reencontro, de quatro indivíduos – naquela altura, praticamente, quatro desconhecidos. Compartilhando de, aparentemente, infindáveis embaraçosos momentos, Rita Luz, Jefferson Jima, Susana Savedra e Leonardo Gutierrez protagonizam, com mórbida naturalidade humorística, a coadjuvação da totalidade do elenco do espetáculo – fragilizando e divertindo o espectador, ao sugerirem ainda estar sob o domínio da finada progenitora que, mesmo inerte em seu esquife, mantém a sua capacidade de interferir na vida de seus filhos, como se ainda estivesse viva.

O espetáculo, concebido livre das pressões dos dogmas religiosos e familiares, ao permitir a reflexão sobre a realidade que paira sobre a existência terrena e espiritual e sobre o legado post mortem, aponta para a possibilidade de opção por um modus vivendi  e, com isso, enxergar a morte sob um ponto de vista diferenciado, facilitando a sua aceitação como um fato tão natural quanto grotesco se apresenta em meio a um funeral, onde o espectador de “Os Inocentes de Ipanema” se submete a um breve e voluntário luto.

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Nossas Mulheres

Um espetáculo onipresente, palpável e, até mesmo pérfido, cujo papel principal se faz como o de difusor da questão de violência que está longe de ser cheio de graça

‘Uma mentira que acalma é menos grave que uma verdade que destrói’ – questionável assertiva acolhida pelo despretensioso texto ‘Nos femmes’, de autoria do dramaturgo, diretor e roteirista tunisiano Éric Assous, residente na França. A despeito de seu recente lançamento e de ter sido transportado para o palco do Teatro de Paris em 2013, sob a direção de Richard Berry, o argumento se perde em meio à atualidade uma vez que, de forma evidente, banaliza a violência doméstica e familiar contra a mulher, à sombra de uma perniciosa cumplicidade entre comparsas do sexo masculino.

Classificado segundo o gênero comédia, o texto de Assous ganha a fiel tradução para a língua portuguesa por Beatriz Ittah e, acolhido pela zelosa produção de Maria Siman, “Nossas mulheres” estreia no Teatro Ipanema em 11 de agosto de 2018, sob a minuciosa e precisa direção de André Paes Leme que, mais uma vez, demonstra a sua segurança e habilidade em reger e integrar as disciplinas que compõem a dramaturgia cênica teatral.

Embora o título do texto de Assus tenha um forte potencial para definir uma vertente em prol da exaltação ao sexo feminino –  ou minimamente, às esposas dos três personagens, o conteúdo se perde em meio a um simplório convite ao riso frente a um feminicídio que perde em relevância para a preconização do egocentrismo masculino e para a forma pela qual a soberba é compartilhada entre camaradas.  O roteiro desenha a história de um homem que chega atrasado a um carteado com seus dois melhores amigos, os informa ter estrangulado sua mulher e que precisa da amizade de ambos para que lhe conceda um álibi, mesmo que, para isso, tenham que mentir durante a investigação do caso pela polícia. Ao optar pelo respeito à fidelidade textual em detrimento de uma sedutora e apelativa invocação ao riso fácil, a direção de Leme introduz considerável dose de formalidade a uma reunião de amigos, à base de pizza e vinho, que não passa de uma nauseabunda reflexão sobre os dilemas existenciais e morais do trio de machistas mesquinhos e individualistas.

A comédia encobre as proporções dramáticas dos fatos no interior de um apartamento, nos moldes de um loft industrial, que reflete o estilo e os momentos passados e presentes do anfitrião, a partir de elementos que conferem fidedignidade ao cenário assinado por Miguel Pinto Guimaraes, concebido segundo a austeridade sombria da solidão à três, à dois ou daquela que se presta coabitar com um único solitário. Os argumentos elementares dos amigos ganham destaque individual e coletivo, propagando-se em meio à tridimensionalidade espacial cênica graças ao sucinto e diversificado desenho de luz de Renato Machado que incorpora, com suas nuances, o dilema real do espetáculo – o estrangulamento – e não apenas um simples acerto de contas entre velhos amigos. As insinuações ritmadas com a trilha sonora de Ricco Viana soam cômicas, mas sem perder o seu verdadeiro peso – o da omissão covarde individual e da cumplicidade ideológica coletiva. Esquivando-se do ênfase à essência clichê dos personagens, o figurino de Bruno Perlatto se comporta como o fiel da balança, sem qualquer apelativo caricata tendencioso cômico ou dramático. Hábeis agentes ativos do mágico conteúdo cênico, representando fragmentos do universo comportamental da sociedade e incorporando papéis de maridos, Edwin Luisi, Isio Ghelman e Edmilson Barros promovem momentos de lazer mas, acima de tudo, de reflexões e de alertas no palco de “Nossas Mulheres” – um espetáculo onipresente, palpável e, até mesmo pérfido, cujo papel principal se faz como o de difusor da questão de violência que está longe de ser cheio de graça.

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O Predador

O reboot de “O Predador”, que visa à revitalização da franquia de ação e de ficção científica com ideias novas, se limita a promover ação nonsense mesclada com mitologia híbrida.

A ação ocorre na atualidade, deflagrada pela queda de uma nave espacial, controlada por um Predador, na atmosfera terrestre, nas proximidades de um campo de batalha onde um sniper do exército americano – Quinn McKenna (Boyd Holbrook) – lidera uma operação de resgate de reféns da posse de um traficante. Após presenciar a chacina provocada pelo alienígena e consciente de seu destino que as forças armadas americana o reserva pelo fato de ser o único sobrevivente do ataque do Predador, McKenna se apropria dos equipamentos que encontra na nave alienígena, julgados por ele relevantes e os envia para o endereço de sua ex-esposa, visando à  garantia da própria integridade física.

O longa conta com a boa vontade do espectador em encontrar algo que alavanque a direção de Shane Black, combalida pelo o ritmo cansativo e aparentes voluntários cortes de cenas – numa aparente tentativa de provocar, no mínimo, ímpetos de tímidas risadas por parte do espectador, sem qualquer sucesso efetivo.

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O Banquete

Um tratado sobre o desejo que induz a tomada de uma direção, mas, não necessariamente, capaz de conduzir a uma meta

Um argumento elementar capaz de deixar espectadores perplexos diante da genialidade contida em meio a sucintos e diversificados estilos na incorporação de papéis.

É assim que uma atípica ‘prisão’ edificada pela burguesia a caminho da decadência pessoal, nos idos anos 1990, serve de pano de fundo para o filme “O Banquete”. A desvelada dinâmica da direção de Daniela Thomas estabelece um acerto de contas entre representantes de uma elite atuante e perpétua, regada à vinho e comidas afrodisíacas que, pouco a pouco, derruba as máscaras e a hipocrisia de cada convidado para tomar parte de um velado e amoral jogo – dentre eles, profissionais da imprensa, representantes das classes artística e política e um assalariado que se presta a, somente, servir à mesa. O cenário é estabelecido em meio a um jantar de comemoração dos dez anos de casados de um editor de uma revista com uma atriz famosa – reunião organizada por uma amiga do casal que, intencionalmente, convida a amante do homenageado, promovendo uma noite tensa, ameaçadora e decisiva para todos os comensais.

As intensões de Thomas transparecem o desenvolvimento de um tratado sobre o desejo que induz a tomada de uma direção mas, não necessariamente, capaz de conduzir a uma meta. O laboratório obscuro e selvagem que o longa aparenta ser é grandiosamente instintivo e, todos os envolvidos, incluindo o expectador – animal humano de situações limítrofes – também se sente no direito de, senão incorporar o papel de mais um dentre os convidados a sentar à mesa, pelo menos mais um a servir a elite brasileira. 

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Alfa

Cultiva a luta pela sobrevivência física muito além da devoção espiritual

Um jovem e um lobo em uma aventura fascinante – a história épica da gênesis do afeto entre duas espécies é transportada para a tela dos cinemas. O longa-metragem “Alfa”, sob a simples e objetiva direção de Albert Hughes, cultiva a luta pela sobrevivência física muito além da devoção espiritual, retratando a insignificância humana aos pés de um céu selvagem onde as geleiras enfatizam o quanto a natureza pode ser uma divindade arrogante e cruel. A fotografia de Martin Gschlacht e os efeitos visuais impressionam ao registrar um mundo belo e, ao mesmo tempo, traiçoeiro, sob o firmamento repleto de estrelas e contemplando superfícies formadas por gelo e água que reflete um  azul perturbador – uma preciosa ilustração da fábula do jovem Keda (Kodi Smit-McPhee), ferido e deixado para morrer após um acidente durante uma expedição de caça, uma vez, equivocadamente, tido como morto. Ao se dar conta do que acontecera, Keda recorre a todas as suas forças para retornar para a sua tribo. Contudo, antes mesmo que sua meta seja atingida, floresce uma concreta amizade entre o jovem caçador e um lobo, dando início a uma jornada durante a qual a luta contra as intempéries, os predadores, a sede e a fome se faz presente a cada minuto.

A credibilidade tendenciosa contida no longa diz respeito a um jovem beta que aprende com um animal a ser alfa – animal esse que se rende às condições de estimação e subserviência – um franco resgate das origens do ser que viria a se consolidar como o melhor amigo do homem.

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Tropicalinha – Caetano e Gil para Crianças

Traça um paralelo entre um reino fictício, arcaico, contaminado por tradições severas e ditatoriais e um país cuja cultura de massa vislumbra a insubmissão e a democracia

O movimento cultural eminentemente brasileiro denominado Tropicalismo durou pouco mais que um ano e chegou ao seu final, reprimido pelo governo militar, culminando na prisão de Gilberto Gil e Caetano Veloso, em dezembro de 1968 – uma história que mudou totalmente a cultura do País e que marcou para sempre a descoberta da modernidade ao se aprofundar no som experimental e romper com a passividade de uma geração que vinha almejando a liberdade de expressão.

Em terna homenagem que visa, antes de tudo, preservar a memória de grandes nomes da música popular brasileira, o projeto ‘Grandes Músicos para Pequenos’, leva aos palcos do teatro infantil, mais um inquestionável sucesso: “Tropicalinha – Caetano e Gil para Crianças”. O espetáculo conta uma história que se passa no Reino de Pindorama, governado por uma rainha autoritária que usa o seu poder para baixar decretos que proíbem a execução de músicas e a proliferação das cores no seu império. Contra tudo isso, dois amigos, Caê e Gil, se unem para trazer sons e cores de volta a Pindorama – uma alusão ao movimento tropicalista. Incorporando novas informações e referências de suma importância ao universo infantil, a direção de Diego Morais traça um paralelo entre um reino fictício, arcaico, contaminado por tradições severas e ditatoriais e um país cuja cultura de massa vislumbra a insubmissão e a democracia.

A sincrética e sedutora direção musical de Guilherme Borges, que transcende as diferenças existentes em meio à diversidade de gerações de espectadores presentes na sala de espetáculos, incorpora a mistura sonora às músicas sem a necessidade de serem somente do movimento, mas de autoria de Caetano e Gil. A assimilação do sedutor e instigante texto de Pedro Henrique Lopes pelo público infantil fragmenta a estranheza contraditória de um país desigual frente ao discurso de resistência dos dois amigos. A construção sensível do elenco formado por Pedro Henrique Lopes, Orlando Caldeira, Martina Blink, Rafael de Castro, Flora Menezes e Hamilton Dias – na sua totalidade, comprometido com uma interpretação contagiante – faz do uso da linguagem híbrida munição sofisticada e desenha um panorama crítico ao conservadorismo acentuado e ao falso nacionalismo.

A linha evolutiva contida no cenário e no figurino de Clívia Cohen sugere a temporalidade ideológica e reafirmação cultural vinculada à arte e a uma sociedade justa diante dos olhares dos futuros cidadãos infantis e de seus já combalidos soldados do passado – todos entoando as canções que marcaram época e que ainda conquistam adeptos no presente. O manifestante desenho de luz de Tiago e Fernanda Mantovani dá o tom convergente ao procedimento artístico dos fundadores do movimento vanguardista, dotando-os de consciência e civilidade, marcando momentos de eterna alegria e de levemente sugeridos momentos dramáticos, percebidos pelo público adulto. A explosão de alegria contida no espetáculo conta com o visagismo de Vitor Martinez que evoca a pureza infantil sem banalizar um dos maiores movimentos artísticos do Brasil.

Mais uma vez, percebe-se o respeito que muitas produções pontuais têm prestado, não só ao público infantil, mas aos seus acompanhantes de todas as idades – é o caso do projeto “Grandes Músicos para Pequenos” produzido pela ENTRE Entretenimento que, através do diluído esboço de engajamento político e cultural subjetivado em “Tropicalinha – Caetano e Gil para Crianças” amplia a noção de que a resistência tem que ser aprendida desde o berço.

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