A ideia de submeter a criação artística a um departamento burocrático é suficientemente absurda para dispensar grandes esforços de imaginação. Michel Melamed, autor e diretor de O funcionário que pede para não ser identificado, parte dessa premissa para construir uma sátira ao sistema de validação da arte, às exigências do mercado e à crescente disposição dos artistas para adaptar o próprio trabalho às condições de sua sobrevivência.

O mérito de Abya Yala - Minhas Viagens pela América Latina está em transformar uma experiência pessoal em uma reflexão sobre pertencimento, solidariedade e descoberta. Ao recuperar a viagem que iniciou em 2011, quando partiu sozinho para a Argentina sem dominar o espanhol, Igor Veloso revela que conhecer outros lugares significa, antes de tudo, colocar-se diante do desconhecido. É preciso lidar com a solidão, aceitar a ajuda de estranhos e descobrir que, mesmo quando as palav

Toda homenagem revela menos sobre quem é homenageado do que sobre os receios de quem homenageia. Neste caso, a produção transmite uma inquietação constante diante da possibilidade de que a complexidade de Paulo Gustavo perturbe a imagem confortável consolidada após sua morte. Em lugar do artista que fazia do humor um instrumento para revelar contradições humanas, instala-se um personagem progressivamente transformado em consenso. A irreverência converte-se em virtude exemplar

“E Se Fôssemos Baleias?” parte de uma situação de trabalho marcada pela exaustão para alcançar uma questão mais profunda: o momento em que a pessoa deixa de perceber o próprio corpo como território de existência e passa a tratá-lo como instrumento de desempenho.

Há uma idade em que começamos a desconfiar das próprias certezas. Não necessariamente porque estejam erradas, mas porque, depois de tantos anos sustentando uma versão de nós mesmos, torna-se difícil continuar defendendo o personagem.

Nova Canaã é confortável, organizado e protegido, mas sua segurança depende da exclusão. O muro materializa a distinção entre quem pertence e quem é visto como ameaça. A tentativa de criar um espaço autossuficiente revela justamente sua dependência do mundo exterior: a desigualdade não desaparece atrás do portão, apenas deixa de ser percebida por quem está protegido. A segurança produz vigilância; a tecnologia, avaliação; e a organização do cotidiano transforma a existência e

A montagem não procura reconstruir a biografia do artista nem organizar sua trajetória em etapas previsíveis. Interessa menos a cronologia do que o impacto afetivo provocado por sua obra. O espetáculo escolhe acompanhar aquilo que a música desperta quando encontra diferentes vidas, permitindo que cada espectador reconheça ali uma parte da própria memória.

O espetáculo não segue o caminho de uma autobiografia convencional. Harfouch utiliza a própria história como matéria cênica, mas não para confiná-la a um relato pessoal. Quanto mais singular se torna sua experiência, mais ela encontra pontos de contato com quem acompanha a montagem.

Tem espetáculo que parece missa de sétimo dia de gente importante. Todo mundo entra na ponta do pé, diminui o volume da própria voz, acende uma velinha simbólica e sai convencido de que prestou um grande serviço à cultura. Uma espécie de reverência automática, dessas que confundem respeito com imobilidade. Que preguiça.

A direção de Pedro Neschling demonstra respeito pela inteligência do texto e evita transformar a peça em um tribunal sentimental, no qual o público apenas escolhe quem merece absolvição. Sua condução aposta nos silêncios, nas pausas e nos pequenos deslocamentos de humor que revelam aquilo que as personagens não conseguem admitir.

Ao acompanhar suas tentativas de criar uma obra teatral, o espectador presencia também suas tentativas de organizar lembranças, afetos e expectativas. A peça estabelece um paralelo constante entre esses dois movimentos. Construir uma narrativa e construir uma identidade tornam-se atividades inseparáveis. Sob os fragmentos, os desvios e as histórias sobrepostas, encontra-se uma investigação persistente sobre a necessidade humana de atribuir sentido à experiência.

A peça escrita por Gustavo Pinheiro parte de uma premissa aparentemente simples: o reencontro anual de três amigas que dividiram sonhos e dificuldades nos anos 1990, quando trabalhavam como modelos em Paris. Rapidamente, porém, revela que seu verdadeiro tema nunca foi apenas amizade. O que está em cena é o confronto entre permanência e desaparecimento. Entre aquilo que o tempo modifica e aquilo que ele jamais consegue destruir completamente.

Escrito por Matéi Visniec e dirigido por Ary Coslov, o espetáculo apresenta uma sequência de histórias rápidas, surpreendentes e, às vezes, desconcertantes. Pessoas que criam barreiras invisíveis para se proteger. Uma cidade ameaçada por borboletas nada delicadas. Soluções radicais para apagar a dor. Situações improváveis que, de algum modo, dizem muito sobre o presente.

A estrutura fragmentada aproxima realidade e imaginação, sem hierarquizar uma sobre a outra. A invenção, aqui, não funciona apenas como recurso estético, mas como estratégia de análise: ao alterar, o texto revela. Ao distorcer, ilumina aspectos profundos da experiência humana, sobretudo as relações entre identidade, memória e representação.

O espetáculo tenta humanizar a figura, deslocando o foco do ícone para a mulher. A intenção é legítima. O problema é que essa abordagem já se tornou padrão nas narrativas recentes sobre a realeza britânica. Falta tensão nessa escolha. Falta um ponto de vista que reorganize o material em vez de apenas repeti-lo com competência.

Há narrativas que não se sustentam pela ação, mas por uma tensão silenciosa. Aquela que existe entre o que se deseja ser e o que se consegue sustentar diante do olhar do outro. “Duvido” habita exatamente esse espaço. Não se organiza como uma história linear, mas como um retrato psicológico em movimento, quase um estudo de uma consciência que se desfaz enquanto tenta se afirmar.

Rosamaria Murtinho entra em cena aos 93 anos interpretando Iris Apfel. Isso, por si só, já deveria bastar. Há algo incontornável em ver alguém dessa idade em plena atividade, lúcida, ocupando o palco com presença. É uma experiência que dispensa mediações mais óbvias, como trilhas emotivas ou construções simbólicas excessivas. Ainda assim, o espetáculo parece desconfiar dessa força e insiste em explicá-la, reforçá-la, guiá-la.

Apresenta um tema potencialmente profundo, mas sua execução não consegue explorar esse potencial de forma eficaz.

Musical inspirado na trajetória de Diana, Princess of Wales. A jovem que entrou para a monarquia britânica como promessa de conto de fadas rapidamente descobriu que a realidade envolvia protocolos rígidos, exposição permanente e expectativas quase impossíveis de sustentar.

Escrita e dirigida por Miguel Falabella, a peça parece ter saído direto de um arquivo da Globo: diálogos claros, conflitos reconhecíveis e drama fácil de digerir. Separação, envelhecimento e reinvenção afetiva são tratados com delicadeza e humor, como uma receita de pão de queijo que agrada a todos. A obra evita qualquer atrito desnecessário e transforma experiências universais em momentos de identificação imediata.